Les 15 fonctions théâtrales les plus importantes

Le caractéristiques théâtrales les plus importantes ils sont étroitement liés aux éléments communs à tout travail ou performance.

Le terme théâtre a ses origines dans le mot grec théâtron, ce qui signifie un "endroit à regarder". Par conséquent, à l'origine, le théâtre faisait référence à la fois à un lieu et à une forme particulière de perception. Aujourd'hui, le concept de théâtre peut se référer à un bâtiment, une activité ( « go » ou « faire » le théâtre), une institution et une forme d'art.

Le théâtre est la branche de l'art scénique lié à la performance et la représentation des histoires devant un public en direct, en utilisant une combinaison de discours, les gestes, les accessoires, la musique, le son et le spectacle qui cherchent à stimuler et exciter le spectateur.

L'esprit joue également un rôle important dans le théâtre, comme cette expression artistique est déchiffré selon la perception et de l'imagination du spectateur.

Tous les jeux ont des éléments communs qui caractérisent cet art. Ensuite, vous pourrez voir plus en détail les fonctionnalités les plus remarquables.

15 éléments caractéristiques du théâtre

1- Terrain

C'est ce qui se passe dans le travail. Il fait référence à l'action. L'organisation d'événements ou la sélection et l'ordre des scènes dans une pièce. Selon Aristote, il est un concept abstrait qui fait référence à la disposition des incidents qui sont les matières premières et les composants de l'histoire.

L'intrigue est la manière dont ces incidents sont structurés dans un ensemble cohérent. Si l'agencement de la commande d'origine est modifié, une nouvelle image sera générée. Au théâtre, deux types de parcelles prédominent. Ci-dessous, ses principales caractéristiques et éléments de différenciation:

Écran de résolution

• L'intrigue commence tard dans l'histoire, plus près de la fin ou de l'apogée.
• Il couvre un court laps de temps.
• Il contient quelques scènes solides et étendues.
• Se produit dans une localité restreinte, une pièce ou une maison.
• Le nombre de caractères est très limité.
• Il y a peu de cadres secondaires.
• La ligne d'action procède dans une chaîne de causes et d'effets. Les personnages et les événements sont étroitement liés dans une séquence de développement logique, presque inévitable.

Terrain de révélation

• L'intrigue commence relativement tôt dans l'histoire et passe par une série d'actes.
• Il couvre de longues périodes de temps.
• Beaucoup de scènes courtes et fragmentées ou l'alternance entre des scènes courtes et longues.
• Il peut couvrir une ville entière ou même dans plusieurs pays.
• Abondance de personnages.
• Souvent marqué par plusieurs fils d’action, plusieurs histoires parallèles.
• Les scènes sont associées les unes aux autres. Un événement peut résulter de plusieurs causes, ou sans cause apparente, mais se pose dans un réseau de circonstances.

2- Thème

Bien que l'intrigue se réfère à l'action de la pièce, le thème fait référence au sens de l'œuvre. Parfois, il est clairement indiqué dans le titre.

D'autres fois, il peut être déclaré par le dialogue pour un personnage qui agit comme la voix du dramaturge. Parfois, le sujet est moins évident et ne survient qu'après avoir analysé le contenu de l'œuvre.

3- Caractères

Ce sont les personnes, les animaux ou les idées représentées par les acteurs du travail. Sur le plan structurel, les personnages sont des agents qui agissent, fournissent la motivation pour des événements qui se produisent dans le cadre.

Chaque personnage doit avoir sa propre personnalité, l'âge, l'apparence, les croyances, contexte socio-économique et la langue. Selon leurs fonctions dans le travail peut être décrit certains types de caractères:

• Protagoniste: Le personnage principal.
• Antagoniste: Le principal adversaire du protagoniste.
• Homologues: Révéler certains aspects du personnage principal en ayant des circonstances ou des comportements similaires ou différents.

4- Script ou texte

C'est le point de départ de la représentation théâtrale. C'est le texte par lequel le jeu est créé. Il consiste en un dialogue, des instructions de scène, des descriptions des personnages et autres dans une pièce. Il fait référence aux mots écrits par le dramaturge et interprétés par les personnages.

5- genre

Classe distinctive du travail. Le genre vient d'un mot français qui signifie "catégorie" ou "type". Le choix du genre reflète le point de vue de l'auteur sur le sujet.

Dans le théâtre représentent généralement les types suivants de travail: tragédie, comédie, mélodrame et tragicomédie. Chacun de ces genres peut être subdivisé par style et contenu en:

Tragédie

C'est une imitation d'une action sérieuse, complexe et pertinente. La tragédie est grave par nature dans son sujet et traite de problèmes profonds. Ces problèmes profonds sont universels et suscitent la compassion et la peur dans le public en assistant à l'action.

Comédie

Il a la vision de faire rire le public, il est généralement physique et énergique. Le comportement des personnages présentés est ridicule et parfois absurde. Il stimule dans l'auditoire une correction du comportement de la société.

Mélodrame

Il est le drame de la catastrophe, au-delà du contrôle des circonstances protagoniste provoque des événements importants de l'intrigue. Les aspects de la culpabilité et de la responsabilité du protagoniste sont éliminés.

Le protagoniste est victime de circonstances. Le mélodrame a un sens strict du jugement moral. Tous les sujets présentés sont résolus de manière bien définie. Les bons personnages sont récompensés et les mauvais personnages sont punis.

Tragicomédie

C'est un reflet de la vie elle-même, elle contient tous les genres précédents. Il n'a pas l'intention de juger, ni de faire des jugements absolus. Il se concentre sur les relations de caractère et montre la société dans un état de flux continu.

6- Costumes et maquillage

Ce sont des éléments qui servent à caractériser les acteurs lors de la recréation d'un personnage.

Garde-robe

Il fait référence aux vêtements et aux accessoires utilisés sur scène par un acteur ou un interprète. Les anciens Grecs étaient les pionniers dans le développement de costumes spécifiques pour chaque personnage, cet art a aidé de faire revivre l'époque médiévale et représenter grande cour marquises.

Maquillage

L'utilisation de produits cosmétiques pour modifier l'apparence physique d'un acteur afin que son apparence correspond à un certain rôle ou pour compenser les effets de l'éclairage de la scène.

L’art du maquillage a été révolutionné par l’introduction de l’éclairage électrique et à gaz et est devenu une pratique hautement technique.

7- Éclairage et effets sonores

Le placement, l'intensité et la couleur des lumières, ainsi que les effets sonores, aident le réalisateur à communiquer l'atmosphère, l'ambiance ou la sensation dans une scène.

L'éclairage a été reconnu comme une caractéristique importante de la production théâtrale lorsque des performances à l'intérieur ont été faites à la Renaissance, impliquant l'utilisation de bougies et de liquides inflammables.

Les innovations cruciales dans la technologie d'éclairage inclus l'introduction de lampes de sol, utiliser des réflecteurs pour augmenter l'intensité des faisceaux lumineux et les lumières de gradation dans l'auditorium à 1,876.

Le développement de l'éclairage au gaz au début du XIXe siècle représente une avancée importante malgré les dangers encourus. L’utilisation de l’éclairage électrique a commencé au California Theatre de San Francisco en 1879.

Actuellement, les systèmes d'éclairage des théâtres modernes sont contrôlés par des cartes informatisées hautement sophistiquées, capables de coordonner l'éclairage de tout un système. D'autres innovations récentes ont inclus des expériences avec la lumière ultraviolette, les lasers et l'holographie.

Les effets sonores sont les bruits générés pour accompagner une scène dans une pièce, qui peuvent être produits par des ordinateurs ou par des acteurs à l'intérieur et à l'extérieur de la scène.

8- Directeur

C'est la personne responsable de l'unité totale de la production et de coordonner les efforts des artistes. Le travail du réalisateur est au centre de la production d'une pièce, puisque c'est le réalisateur qui établit la vision de la production pour tous les acteurs.

Le principal a la tâche difficile de réunir de nombreuses pièces de production complexes: le script, les acteurs, les costumes, l'éclairage, le son et la musique dans un tout unifié. Pour mener à bien cette tâche, un administrateur doit:

• Interpréter le script
• Collaborez avec les concepteurs.
• Planifier les essais.
• Guider les acteurs dans leur travail pendant les répétitions.

Le travail du réalisateur repose souvent sur une étude et une analyse détaillées du script faisant l'objet du montage. De nombreuses lectures attentives du script aident le réalisateur à développer une vision individuelle des intentions du dramaturge. Votre perception influencera tous les aspects de la production.

Les réalisateurs étudient également les personnages du script, rassemblant autant d'informations que possible sur leurs traits physiques et psychologiques, ce qui est essentiel pour la sélection des acteurs.

9- Audience

Groupe de personnes qui voient le travail. De nombreux dramaturges et acteurs pensent que le public est l'élément le plus important du théâtre, puisque tous les efforts mis par écrit et la production d'un jeu est pour le plaisir du public.

Parce que dans le théâtre les interprètes sont en présence directe du public, un flux d'énergie circulaire est généré, l'acteur affecte l'audience et vice versa. Cet effet est amplifié par le fait que le théâtre est un événement commun.

L'expérience de groupe est indispensable, car le groupe renforce les émotions vécues par l'individu et crée une conscience collective. Lorsqu'un groupe d'individus réagit de la même manière à ce qui se passe sur scène, leur relation avec les autres est réaffirmée et renforcée.

Le degré de séparation entre les acteurs et le public est ce qui différencie le théâtre conventionnel du théâtre participatif.

Dans le premier, le public utilise son imagination pour participer au travail tout en se séparant de l'action. Dans la seconde, les acteurs interagissent avec le public en essayant de suivre un scénario établi et improvisé, mettant l'accent sur le développement personnel ou la thérapie collective.

Au théâtre, un public est invité à accepter de nombreux types de mondes imaginaires. Une façon de différencier ces domaines imaginaires consiste à les diviser en ce qu’on appelle le théâtre réaliste et irréaliste.

Le réalisme, devenu la forme dominante du théâtre européen à la fin du XIXe siècle, tente de recréer la vie si étroitement que le public suppose que ce doit être la vie. Le non-réalisme, quant à lui, tente de transcender la réalité observée et de présenter la partie de la vie qui existe dans l'esprit.

Cependant, c'est une erreur de supposer que ces deux approches s'excluent mutuellement. La plupart des représentations théâtrales contiennent un mélange d'éléments réalistes et irréalistes.

10- Scénographie

Il sert à recréer l'environnement dans lequel l'intrigue est développée, l'ensemble a les objectifs suivants:

• Définir le ton et le style de la production.
• Définissez l'heure et l'endroit.
• Distinguer le réalisme du non-réalisme.
• Coordonner le paysage avec d'autres éléments.
• Traiter les limites de l'espace scénique et de l'espace hors-scène.

Tous ces objectifs sont abordés lors de réunions multiples entre le réalisateur, le scénographe et l’équipe de conception. Plus tard, les idées sont reflétées dans des croquis qui, après révision, analyse et modifications permettent de concevoir la scénographie qui s’adapte le mieux à l’histoire et à la vision des créateurs.

Une fois cette étape terminée, les conceptions sont livrées à un directeur technique, qui effectue les constructions, les ajustements et les installations nécessaires dans le scénario pour la matérialisation du projet.

11- Scénario

Ce sont des équipements de théâtre, tels que des rideaux, des sols, des arrière-plans ou des plates-formes, qui sont utilisés dans une production dramatique.

12- Appliance

Il existe différentes catégories d'accessoires. La plupart des accessoires proviennent du script et sont des éléments requis par le réalisateur. Le scénographe demande aussi généralement des accessoires d'ensemble tels que les meubles apparaissant sur la scène, parfois il y a une mince ligne de démarcation entre ce type d'accessoires et la scénographie.

Le support est tout objet mobile qui apparaît lors d'une performance, à l'exception des costumes et de la scène. Ce sont des articles manipulés par un ou plusieurs acteurs. Un livre, une arme à feu, un verre de vin, entre autres.

13- Actes

Ils représentent une division importante dans le développement du travail théâtral. La plupart des pièces de l'ère élisabéthaine jusqu'au XIXe siècle ont été divisées en cinq actes de dramaturges ou d'éditeurs ultérieurs.

À la fin du 19ème siècle, de nombreux écrivains ont commencé à écrire des œuvres de quatre actes. Aujourd'hui, un, deux et trois actes sont les jeux les plus courants.

14- Théâtres (Bâtiment)

C'est l'espace dans lequel les acteurs ou les publics se rencontrent. Il est essentiel d'avoir un espace où l'artiste ou l'interprète communique avec un public vivant.

Les bâtiments théâtraux ont évolué des amphithéâtres en plein air des Grecs et des Romains à l'incroyable variété des formes que nous voyons aujourd'hui. C'est un espace qui favorise l'échange émotionnel entre les acteurs et le public.

15- Convention

Une convention théâtrale est un outil pratique utilisé par le dramaturge ou le réalisateur pour aider à raconter l'histoire de la pièce au théâtre. La convention théâtrale la plus courante est celle des personnages qui se parlent et prétendent ne pas remarquer le public.

Souvent appelée convention du quatrième mur ou du quatrième écran, l'existence d'une division (invisible) entre les acteurs et le public est simulée.

Origines et évolution historique du théâtre

Quand le théâtre a commencé, c'est exactement un mystère. Les chasseurs préhistoriques ont représenté des histoires sur leurs expéditions de chasse. Les anciens Égyptiens exécutaient des chants sacrés et dansaient pour leurs dieux lors de cérémonies religieuses. Mais l'idée du théâtre comme divertissement dramatique est venue plus tard.

On sait que les mots anglais de la tragédie et de la comédie proviennent de la langue des anciens Grecs. Bien que les Grecs ne soient pas les premiers à interpréter des pièces de théâtre, ils sont très intéressés par les origines de la tragédie et de la comédie.

Dans ses écrits, le philosophe Aristote et d'autres écrivains grecs ont proposé des théories et créé des hypothèses sur le développement de la forme d'art théâtral.

Des œuvres grecques ont été réalisées dans des théâtres en plein air. Au début, les théâtres se trouvaient dans des zones ouvertes situées au centre de la ville ou à proximité de collines. Le public se préparait à écouter et à regarder la chorale chanter les aventures d'un dieu ou d'un héros.

Vers la fin du 6ème siècle a. C., les structures théâtrales sont devenues plus élaborées. Le théâtre devenant de plus en plus populaire et compétitif entre les villes, les théâtres se sont agrandis avec des structures capables d’accueillir jusqu’à 15 000 personnes à la fois.

Le théâtre existe depuis que les gens se sont rencontrés pour la première fois pour entendre quelqu'un raconter une histoire. Les amis et la famille partageaient les responsabilités du public et de l'interprète, échangeant des rôles tant que quelqu'un partageait une histoire.

Le théâtre moderne peut être plus formel, avec des acteurs formés pour recréer une histoire et des spectateurs sophistiqués qui réagissent à une mise en scène, mais l'idée de partager des énergies entre les acteurs et un public en direct reste invariante.

Références

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5. Wilson, E. (2010). L'expérience du théâtre New York, McGraw-Hill.
6. Wolf, L. (2012). Introduction au théâtre: une approche directe.Bloomington, Xlibris Corporation.